El Museo de Arte Contemporáneo de Madrid exhibirá desde el 19 de febrero hasta el 18 de abril una muestra compuesta por sesenta obras de la Colección Eduardo Westerdahl, cuyos artistas se encuentran vinculados al periodo de las vanguardias artísticas de España y que, a día de hoy, se exponen en el Instituto de Estudios Hispánicos de Canarias, situado en el edificio de la Casa de la Aduana en Puerto de la Cruz.

El escritor, crítico de arte y fotógrafo Eduardo Westerdahl (Santa Cruz de Tenerife, 1902-1983), fue una de las figuras más relevantes e influyentes del panorama artístico canario. Junto con su esposa, Maud Bonneaud, y el arquitecto suizo Alberto Sartoris proyectó el Museo de Arte Contemporáneo en la primavera de 1953.  Las sesenta obras que se exhibirán en la capital de España son en su mayoría pinturas, dibujos y grabados y corresponden a la etapa en la que la colección fue dirigida por Eduardo Westerdahl. De hecho, va a ser la primera vez que se pueda disfrutar de la exposición de una forma más completa, ya que algunas de las obras no se habían podido exponer debido a su mal estado de conservación.

La colección propone un recorrido por un singular conjunto de artistas canarios como Óscar Domínguez, Manolo Millares, César Manrique, Lola Massieu, Pedro González; también, a nivel internacional, habrá obras de Wolfgang Paalen, Will Faber, Luc Peire, y de artistas destacados del arte español como Ángel Ferrant, Enric Planasdurá o Eduardo Úrculo.

A través de esta colección, Eduardo Westerdahl pretendía dar una imagen cultural de Canarias de nivel que llegara a todos los ámbitos internacionales, algo que logró pero que, debido a la difícil situación económica que le tocó vivir al artista, su sueño se quedó en el camino , y que ahora se ha podido recuperar gracias a la colaboración institucional y cultural.

Museo de Arte Contemporáneo

C/ Conde Duque 9 y 11

Entrada gratuita

La exposición está estructurada en torno a dos bloques: el artístico, en el que se integran unos cuarenta cuadros y dibujos firmados por Tàpies, Cuixart, Tharrats y Ponç, y el documental, en el que se exhiben originales de diversos números de Dau al Set, soporte que utilizaron como campo de ensayo, territorio de iniciación y plataforma de promoción. Los integrantes de Dau al Set comenzaron a colaborar de forma conjunta a partir de 1946. No obstante, su etapa más intensa se concentró entre los años 1948 y 1951, un periodo en la que participaron en varias exposiciones y desplegaron una importante labor editorial.

Museo de Arte Contemporáneo

C/ Conde Duque 9 – 11

Hasta el 28 de marzo

Entrada gratuita

El Museo de Arte Contemporáneo de Madrid acoge en su sala de exposiciones temporales  ” Espacio Dos ” una exposición que se caracteriza por su novedad, al dar a conocer a los especialistas y al público en general, una parte significativa de la obra, casi desconocida, de Francisco Santa Cruz, integrante del numeroso grupo de artistas, escritores e intelectuales que conformaron las denominadas vanguardias históricas, entre los años 1907 y 1936.

La exposición Francisco Santa Cruz (1899-1957). La vanguardia oculta refleja ya desde su título el aspecto desconocido del personaje, del artista y de su obra, que por primera vez se puede contemplar de forma extensa en Madrid, ciudad, junto con su Sigüenza natal, donde vivió y desarrolló gran parte de su trabajo. También en Madrid conoció a numerosos artistas y escritores que han marcado uno de los momentos más intensos de la cultura artística española contemporánea, en el primer tercio del siglo XX. Con esta exposición, el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid promueve el acercamiento a la trayectoria y la obra, casi inédita, de Francisco Santa Cruz (Sigüenza, Guadalajara, 1899-1957), componente de aquel numeroso grupo de artistas que se movieron en el tiempo de las vanguardias históricas, entre 1907 y 1936.

Residente en Madrid desde 1915, un lustro más tarde, y ya decidido a ser pintor, empezó a relacionarse con los medios de la incipiente vanguardia capitalina. Pronto integró junto con sus colegas Francisco Bores y Carlos Saénz de Tejada y con el poeta Miguel Pérez Ferrero -quien dijo de él que “cultivaba con talento el dibujo y la pintura más en diletante que como profesional”- un interesantísimo cuarteto de inseparables, que tenía como epicentro el café Saboya.

En 1923 expone en el noveno Salón de los Humoristas organizados por el crítico José Francés. En 1925,  participa en la importantísima exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos, cuyo manifiesto firma junto con Manuel Abril, García Maroto o Joaquín Sunyer, entre otros. Allí expuso sus obras compartiendo sala con Salvador Dalí, Francisco Bores y Carlos Sáenz de Tejada. En la víspera de la proclamación de la Segunda República, inaugura su primera y única exposición individual en el Lyceum Club de Madrid y ese mismo año funda, junto con Emiliano Barral, Rafael Botí, José Renau, Enrique Climent, Moreno Villa, Puyol, Rodríguez Luna, Cristino Mallo y Santiago Pelegrín, la Agrupación Gremial de Artistas Plásticos (AGAP), promotores del Manifiesto dirigido a la opinión pública y a los poderes oficiales. En 1932 es seleccionado para participar en las exposiciones de la SAI en Copenhague (1931) y en Berlín (1933). Como tantos artistas, escritores, poetas e intelectuales del momento, frecuentó la Residencia de Estudiantes, donde conoció a Buñuel, Alberti, Lorca o Gerardo Diego. Como escenógrafo y cartelista realizó algunas obras para los decorados y el vestuario de La Argentinita. De su etapa de la Guerra Civil se exponen algunos fotograbados realizados a partir de dibujos originales a pluma dentro de esa estética realista y crítica, combativa, del momento.

Su actividad como ilustrador fue amplísima, colaborando en numerosas revistas: Vértices, Cosmópolis, Atlántico, Manantial, Parábola, Plural, Tobogán o La Gaceta Literaria de Jiménez Caballero, o en las páginas literarias del El Heraldo de Madrid o Blanco y Negro, Nuevo Mundo o el Almanaque Literario 1935.

La exposición Francisco Santa Cruz. La vanguardia oculta muestra un conjunto de 125 obras, entre óleos, dibujos, ilustraciones, figurines y fotograbados, organizado cronológicamente, más documentos, fotografías y revistas en vitrina, que retratan un panorama muy completo de su actividad artística, cuya estética evoca varias de las claves vanguardistas de la época: la corriente ultraísta, el neocubismo, el surrealismo y el realismo crítico de los años de la Guerra Civil.

Donde: Museo Arte Contemporáneo. C/ Conde Duque, 9 y 11

Horarios: de martes a sábados de 10 a 14h y de 17.30 a 21h

Hasta el 4 de octubre

Entrada gratuita

El Museo de Arte Contemporáneo presenta la exposición Cinematografías: el cartel de cine en Suecia y Dinamarca. 1915-1942, una muestra que recoge grandes títulos y estrellas del cine del pasado.

Cinematografías. El cartel de cine en Suecia y Dinamarca, 1915-1942. Colección Benito Medela-Piquepé es una exposición que ha organizado  el Museu Valencià de la Ilustració i de la Modernitat, MuVIM. La muestra reúne un importante y sugerente conjunto de 201 carteles, de artistas daneses y suecos, 33 y 168 respectivamente- que nos acercan como en una moviola, multitud de títulos de películas, actrices, actores, directores de cine y productoras y que retratan la habilidad gráfica y técnica de aquellos cartelistas nórdicos, artistas consumados de la cultura popular.

Cinematografías -término que en sí mismo encierra dos campos semánticos bien definidos, el que alude al cine propiamente considerado y a lo gráfico que representan los carteles-, nos ofrece la posibilidad de revisitar grandes títulos de películas y otras menos conocidas -Metropolis, M. El Vampiro de Dusseldorf, Crimen y Castigo, Anna Karenina, Ben Hur, El cantante loco, El Gran Dictador, Tarzán de las fieras, etc…- y una pléyade de actores y actrices -Lon Chaney, Boris Karloff, Errol Flyn, Rodolfo Valentino, Gary Cooper, Mae West, Joan Crawford, Fred Astaire, Búster Keaton, Charles Chaplin o Marlen Dietrich,  entre otros muchos más- en un periodo calificado como una de las mejores etapas del cartelismo cinematográfico, los años de entreguerras.

Además, de este vívido reencuentro, la exposición se agrupa para una mejor comprensión en bloques temáticos, en relación con los géneros cinematográficos clásicos -musicales, humor, terror, oeste, historia, etc…- adentra al visitante en el especializado mundo del grafismo y el arte del cartel, en una etapa -1915-1942- que los expertos han calificado también como clásica, en la que se definieron los parámetros de la modernidad en el grafismo y diseño de carteles.

La importante producción de carteles de cine en los países escandinavos, diseñados durante el periodo de entreguerras, reflejan el interés de poseer y presentar una gráfica propia. Todo indica que aquellos dibujantes sabían conciliar modernidad y profesionalidad y que su trabajo se situó dentro de las bases que argumentaba Cassandre, que diferenció el cartel y los trabajos gráficos en general, de la pintura y las artes decorativas, estableciendo las bases de lo que posteriormente perfilaría la profesión y la función del diseñador gráfico. De hecho, muchos artistas de vanguardia abandonaron la pintura para dedicarse al diseño gráfico, pues les permitía utilizar técnicas de comunicación de masas  en carteles, libros y revistas.

Siguiendo las teorías de Lászlo Moholy-Hagy, pretendieron que su trabajo se concibiera como una actividad social, no dependiente de un acto creativo individual, ofreciendo las máximas posibilidades de comunicación social activa.

Los grafistas escandinavos intentan conciliar sus diseños con las pautas  Art-Decó, sugeridas o impuestas por la poderosa industria cinematográfica norteamericana, y en menor grado, por la alemana. Esta actitud conciliadora y siempre de mirada moderna, la mantuvieron después de la Segunda Guerra Mundial -empleando de forma maestra la fotografía y el fotomontaje-, cuando en el resto de Europa, en los carteles dominaba un naturalismo retrogrado, muchas veces de carácter absolutamente académico.

Se puede afirmar que estos dibujos dedicados al cine, desde sus comienzos hasta el final de la segunda guerra mundial, reflejan la influencia de diversos movimientos modernos, como la secesión vienesa, el expresionismo alemán o las diferentes tendencias postcubistas que desembocaron en el Art-Decó, pero también las convicciones de unos artistas y de una sociedad que optaron decididamente y sin timidez por la modernidad.

Donde. Museo de Arte Contemporáneo. C/ Conde Duque 9 y 11

Hasta el 27 de septiembre

Gratuito

El Museo de Arte Contemporáneo presenta la exposición Alberto Corazón. Plaza Mayor y otras obras conceptuales de los años 70 en la que han participado la Directora General de Archivos, Museos y Bibliotecas, Belén Martínez Díaz, la comisaria de la muestra María Luisa Argila,  el artista Alberto Corazón y Eduardo Alaminos, director del MAC. La exposición reúne algunas de las obras más importantes de la etapa conceptual de Corazón como son: Cortinas “Redor”, Aire, fuego, tierra y agua (1972) -pieza que ha sido recientemente reeditada en forma de libro-, Plaza Mayor. Análisis de un espacio (1974) -en colaboración con Esther Torrego, Carlos Piera, Simón Marchán y Juan Manuel Bonet-, una de las obras más importantes del conceptualismo en España y ejemplo de la vertiente interdisciplinar del artista, vinculada además con las vivencias personales del autor, Itinerae (1975), Menorca, Elevar/mostrar (1976), Vegetal/Mineral (1976), Mirar/Escuchar (1976) y Señal/signo (1976).

Se  analiza la etapa conceptual (1969-1979) de Alberto Corazón que coincide con su vinculación profesional con el diseño gráfico y el mundo editorial en el que, sin duda, fue también un precursor de la renovación en estos campos, con la creación de la editorial Ciencia Nueva o el grupo editorial Comunicación, donde trabajó como teórico y diseñador gráfico junto con Valeriano Bozal, Alberto Méndez, Miguel García Sánchez o Juan Antonio Méndez.

La trayectoria artística de Alberto Corazón (Madrid, 1942) le sitúa como pionero en las prácticas conceptuales de nuestro país, tendencia que abandonaría a partir de 1979. Destaca como uno de los grandes creadores españoles de este momento, con una obra extensa que analiza  las nuevas relaciones entre el arte, el lenguaje, la naturaleza, la política y el objeto, y las nuevas prácticas artísticas que se relacionan con  los medios de comunicación y el arte sociológico.  En estos años, su labor se centró en el desarrollo de los nuevos medios de reproducción mecánica a partir de los repertorios iconográficos de los mass media.

Esta exposición se suma a una serie de exposiciones  -El arte sucede. Origen de las prácticas conceptuales en España, 1965-1980 (MNCARS, 2005), La ilustración total. Arte conceptual de Moscú, 1960-1990 (Fundación Juan March, 2008), las individuales del mismo Alberto Corazón en el IVAM (2008), de Nacho Criado en el Círculo de Bellas Artes, Nacho Criado no existe, la concesión del Premio Nacional de Artes Plásticas, en 2007, a Valcárcel Medina, que están dando a conocer a las actuales generaciones aquella vanguardia artística, de carácter internacional, en la que Madrid y Barcelona jugaron un papel esencial en nuestro país. La muestra ,viene acompañada por un libro que incluye además de un texto del profesor Simón Marchán,  compañero de viaje de Alberto Corazón, y autor del primer libro que sobre arte conceptual se escribió en nuestro país, Del arte objetual al arte de concepto (1969-1974),  texto de referencia en la historiografía del arte española, un artículo del crítico Fernando Castro Florez y una cronología exhaustiva sobre este apasionante momento realizada por la comisaria, María Luisa Argila.

Lugar. Museo Arte Contemporáneo. C/ Conde Duque

Hasta el 15 de mayo

Este museo se ubica en el histórico Cuartel del Conde Duque, obra de principios del siglo XVIII, del arquitecto Pedro Ribera. Se ha utilizado este edificio para albergar la Colección de Arte Contemporáneo del Ayuntamiento de Madrid, con arreglo a un programa de rehabilitación integral del edificio para usos y servicios culturales.

Esta colección esta formada fundamentalmente, por pintura, obra gráfica, escultura, fotografía y dibujo. La colecció se divide en los siguientes estilos: Vanguardias Históricas: con obras de Francisco Bores, Benjamín Palencia, José Caballero, Daniel Vázquez Díaz e Hipólito Hidalgo de Caviedes. La Escuela de Madrid: continuadora de la Escuela de Vallecas que tuvo a Benjamín Palencia y Alberto Sánchez como fundadores, esta representado por Francisco Arias, Gregorio del Olmo, Álvaro Delgado, Andrés Conejo y Agustín Redondela.

Maestros de la Abstracción: con este grupo se rinde homenaje al conjunto de artistas iniciadores en nuestro país de la pintura abstracta, en sus distintas modalidades: Lucio Muñoz, Manuel Rivera, Fernando Zóbel, Gustavo Torner o Salvador Victoria. Legado Caneja: sala dedicada a Juan Manuel Díaz Caneja, recoge un conjunto significativo de paisajes de los años 70 y 80, una visión pura y desordenada del paisaje castellano de Tierra de Campos, en los que Caneja supo alcanzar una magistral síntesis entre los postulados vanguardistas y la corriente figurativa autóctona. Nueva Figuración y Abstracción de los 80: Se dedican 4 salas con una nutrida nómina de artistas que reflejan el panorama artístico madrileño, posterior a la abstracción informalista y de las tendencias neofigurativas. De entre ellos cabe destacar: Eduardo Arroyo, Juan Genovés; Alfonso Fraile y Eduardo Úrculo. La Nueva Figuración esta representada por: Juan Antonio Aguirre, Carlos Alcolea y Manolo Quejido. La Abstracción de esos años: Alfonso Albacete,Ángel Campano, Juan Navarro Baldeweg, Santiago Serrano y Enrique Quejido. Y la vertiente más conceptual por Eva Lootz , Adolfo chlosser, Luis Gordillo, Manolo Valdés, Darío Villalba y Bonifacio.

Realismos: se representa en sus múltiples vertientes;íntima, urbana, fantástica o escenográfica.Abren el recorrido Amalia Avía e Isabel Quintanilla. La iconografía urbana madrileña esta representada por obras de Daniel Quintero, José Manuel Ballester, Félix de la Concha o Menéndez Morán. Jesús María Lezkano y Carlos Díez Bustos ofrecen ejemplos del realismo aplicado a lo escenográfico y fantástico. Luis Mayo aportará una visión metafísica de los enclaves madrileños.Por último los Nuevos Creadores, bajo este epígrafe la Figuración y la Abstracción se ha reunido una amplísima nómina de artistas que representan un amplio abanico de tendencias y estéticas, en lo abstracto pueden verse obras de Alejandro Corujeira, Alberto Requena, Xavier Grau o Amaya Bozal. Lo figurativo esta representado por Juan Carlos Savater, Sigfrido Martín, Abraham la Calle, Dis Berlin o Fernando Bellver.

Dirección. C/ Conde Duque 9 y 11

Horarios. Martes a Sábado de 10 a 14h y de 17.30 a 21h. Domingos y festivos de 10.30 a 14.30h

Está exposición forma parte del proyecto ” El sur es nuestro norte” que incluyó la muestra complementaria “Explorando el sur. El universalismo constructivo y otras tendencias en América Latina” que organizó la Fundación Carlos de Amberes.

Reune 100 obras en papel,procedentes la mayoría de colecciones particulares, y recogen las múltiples etapas de su vida artistica: Barcelona, París, Nueva York, Italia, VilleFranche, Madrid y Montevideo. Su vida artistica la empezó en el estilo modernista para luego adscibirse al movimiento del Noucentisme promulgado por Eugenio D’Ors, el cual pretendía volver a los orígenes, a la tierra, a lo natural, las formas gruesas… En Barcelona funda el grupo “Cercle et Carré”.  Luego comenzó una etapa de experimentación con el lenguaje constructivista pero mezclándolo con elementos propios de la cultura precolombina y con el tema de la ciudad que será el protagonista de estos años y creando el grupo ” Grupo de Arte Constructivo”. Viajo a París donde conoció a la vanguardia parisina.

Su estancia en Madrid fue de 1932 al 34. Consideraba a está ciudad como un una mezcla entre lo moderno y lo antiguo. Hizó varias exposiciones en el Patronato de Turismo y en el Museo de Arte Moderno. Publicó mucho. Según él mismo relata en sus memorias está estancia no fue muy satisfactoria, ya que no consiguió sus objetivos pero si lo fue para toda la vanguardia madrileña de esos años. Sus últimos años los paso en Montevideo

Lugar: Centro Cultural Conde Duque. Museo de Arte Contemporáneo. C/ Conde Duque, 9

Entrada Libre

Horarios: de Martes a Sábado de 10 a 14h y de 18 a 21h. Domingos y Festivos: 10.30 a 14.30.Lunes cerrado

Hasta el 11 de enero